АРТ-ЦЕНТР

Вечтомов Николай Евгеньевич (1923–2007) — живописец.

«…Николай Вечтомов, пожалуй, единственный, кого не без оснований причисляют к сюрреалистам.

…Его полотна — это окна, открытые в неведомый мир. Это не трансцендентный мир, даже не мир снов или подсознания. Это мир космоса. Не того космоса, о котором пишут фантасты. Точнее, он не стал им, потому что средства художника были иные. Он не натуралист, реконструирующий обстановку межпланетного путешествия. Он передает ощущение, среду миров, существующих или не существующих, и делает это убедительно. …Эти полуабстрактные, как бы вырезанные из тяжелых металлических плит плоские закругленные формы на фоне пронзительно красных или желтых небес иногда с условной полосой почвы, несомненно, создают определенное настроение…» (Л. Кропивницкий, 1965).

«…Мои работы связаны не только с собственным состоянием, но и с общественными катаклизмами. Тайфуном, например. Эпичностью легенды. У меня сложный ассоциативный ряд. Мне подсказывает внутренний голос. Название рождается в процессе работы, тогда же возникают и новые идеи… Так, например, работа «Древние стены» создана под впечатлением от посещения Борисоглебского монастыря» (Н. Вечтомов).

Экспонировался с 1961. В том же году в Москве состоялась первая персональная (квартирная) выставка художника. Принимал участие во многих групповых выставках в СССР и за рубежом, в том числе:

1967 — выставка произведений 12 московских художников (клуб «Дружба», Москва); выставка живописи и графики из собрания А. Глезера (Тбилиси);

1974 —Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);

1975 — выставка живописи московских художников (павильон «Пчеловодство», ВДНХ, Москва);

1991 — «Другое искусство» Москва. 1956–76 (ГТГ, Москва).

Михаил Владимирович Маторин (1901–1976) – художник, график, акварелист, мастер книжного оформления.

Он внес значимый вклад в искусство гравюры. Исследования его работ, посвященных Выборгу, имеют международное значение. 

Одновременно с работой над гравюрами, Маторин занимался живописью и рисунком: гуашь, акварель, реже масло, чаще темпера, карандаш, пастель, уголь – он не ограничивал себя доской и штихелями (резцами), а был разносторонним художником, запальчиво влюбленным вискусство. В цветных линогравюрах Маторин порой использовал до 12 досок, добиваясь эффекта живописи.

Михаил Владимирович Маторин (1901–1976) – художник, график, акварелист, мастер книжного оформления.

Он внес значимый вклад в искусство гравюры. Исследования его работ, посвященных Выборгу, имеют международное значение. 

Одновременно с работой над гравюрами, Маторин занимался живописью и рисунком: гуашь, акварель, реже масло, чаще темпера, карандаш, пастель, уголь – он не ограничивал себя доской и штихелями (резцами), а был разносторонним художником, запальчиво влюбленным вискусство. В цветных линогравюрах Маторин порой использовал до 12 досок, добиваясь эффекта живописи.

Василий Елисеевич Литко (1900-1939) — художник, график, книжный иллюстратор. 

В 1916 году поступил в Петроградскую Академию художеств. Одновременно с учебой в Академии работал каменщиком, грузчиком, молотоотбойцем. В 1918 году работал художником в большевистских газетах «Южная правда» и «Солдат революции». В 1919 году был назначен комиссаром Инженерно-командных курсов в Екатеринославе (современный Днепропетровск). Участвовал в боевых действиях Красной армии, попал в плен, был освобожден конницей Буденного и отправлен в Харьковский госпиталь.

После окончания войны Литко был командирован в Академию художеств для окончания художественного образования, но из-за состояния здоровья, не позволяющего жить в Ленинграде, был переведен в московский ВХУТЕИН, который окончил в 1924 году. Параллельно с учебой Василий Елисеевич преподавал в Кремлевской объединенной школе ВЦИК, а также сотрудничал как художник-график с рядом московских издательств: в 1921-25 гг. иллюстрировал книги и оформлял обложки для издательств ОГИЗ «Московский рабочий», ЗИФ, работал в журналах «Металлист» и «Деревообделочник». 

Михаил Владимирович Маторин (1901–1976) – художник, график, акварелист, мастер книжного оформления.

Он внес значимый вклад в искусство гравюры. Исследования его работ, посвященных Выборгу, имеют международное значение. 

Одновременно с работой над гравюрами, Маторин занимался живописью и рисунком: гуашь, акварель, реже масло, чаще темпера, карандаш, пастель, уголь – он не ограничивал себя доской и штихелями (резцами), а был разносторонним художником, запальчиво влюбленным вискусство. В цветных линогравюрах Маторин порой использовал до 12 досок, добиваясь эффекта живописи.

еоргий, Александр и Валерий Траугот (отец и двое сыновей) – художники, сделавшие большой вклад в наследие книжной графики. 

Под общим псевдонимом (Г. А. В. Траугот) они создали иллюстрации к более чем двумстам книгам. Работы художественно-семейного коллектива есть в Третьяковской галерее, в Эрмитаже и даже в музее Г.Х. Андерсена в Оденсе (потому что самые известные рисунки Г. А. В. Траугот – иллюстрации к сказкам Андерсена). 

Секрет гения семьи Траугот прост. Его раскрыл Александр Георгиевич: 

«Папа полагал, что если человек не работает 18 часов, то это уже безнадёжный лентяй, о котором нечего и говорить. «У художника, – любил повторять он, – должно быть два состояния: или работает, или спит». Мы воспитывались в атмосфере очень большого уважения к количеству труда»

А сам Александр Траугот говорит, что надеется продолжить работу и на том свете, потому что для него рисование важнее, чем дыхание.

Михаил Владимирович Маторин (1901–1976) – художник, график, акварелист, мастер книжного оформления.

Он внес значимый вклад в искусство гравюры. Исследования его работ, посвященных Выборгу, имеют международное значение. 

Одновременно с работой над гравюрами, Маторин занимался живописью и рисунком: гуашь, акварель, реже масло, чаще темпера, карандаш, пастель, уголь – он не ограничивал себя доской и штихелями (резцами), а был разносторонним художником, запальчиво влюбленным вискусство. В цветных линогравюрах Маторин порой использовал до 12 досок, добиваясь эффекта живописи.

Владимир Осипович Роскин (1896-1984) – художник многогранный, увлекающийся плакатным искусством, графикой, даже станковой живописью. Его путь в искусстве начался со Строгановского училища, продолжился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где Владимир Осипович встретился с В. Маяковским, с которым их будут связывать «тесная дружба и карты». С того момента искусство Роскина вышло в массы в виде плакатов, декораций на революционных праздниках. Художник вместе с В. Маяковским и М. Черемныхом участвовал в создании «Окон РОСТА». 

Также Владимира Роскина интересовала работа над театральными декорациями, в том числе для «Мистерии-Буфф». Он создает иллюстрации к произведения Б. Пастернака, Юрия Олеши, А. Толстого. Работал художником-оформителем на крупных международных выставках в Лондоне, Лейпциге, Париже и Нью-Йорке.   

Вся его жизнь была посвящена искусству: развитию авангардного направления, поддержке других художников: он продержался в должности председателя худсовета меньше года, потому что вступился за Оскара Рабина.

А еще он одним из первых в СССР начинает рисовать фломастерами, которые тогда только начали появляться – даже в старости не закостенел и не остывал к любимому делу.

Эрнст Иосифович Неизвестный (1925–2016).

Известный как выдающийся скульптор и график, он также создал множество уникальных картин, которые отражают его философские размышления и глубокое понимание человеческой природы. Его работы отличаются выразительным сочетанием авангардных форм и символизма, что делает их привлекательными для коллекционеров современного искусства. В 1960-е годы он создал серию графических произведений, таких как «Роботы и полуроботы», которые исследуют тему взаимодействия человека и технологий. После эмиграции в США его картины приобрели международное признание, а участие в выставках на Западе укрепило его статус художника мирового уровня. 

Работы в Третьяковской галерее, ГМИИ им. Пушкина.

Андрей Васильевич Карвовский (1903-1976) – живописец, художник-монументалист и декоратор. 

Родился в селе рядом с Киевом. После неудачно эмиграции в Югославию переехал в Париж. Учился живописи в местной академии. 

Работал во французских декоративных ателье, писал декорации для кино. В сотрудничестве с Пьером Гандом делал заставки для книг, гравюры и иллюстрации. 

В начале 1930-х выставлял натюрморты и портреты в салоне Независимых. Это объединение парижских художников, главным принципом которых было отсутствие жюри и вознаграждения (цитата их же лозунга). 

Карвовский также участвовал в выставке парижской группы украинских художников во Львове. Художественная жизнь Андрея Васильевича была разнообразной: от расписывания парижских кафе и ресторанов до создания шаржей на современных знаменитостей из овощей и фруктов. Когда творец стал жить под Парижем, писал портреты местных и сельские пейзажи.

В 1955 году Карвовский возвращается в СССР, где его принимают в Союз Художников. В Москве он оформляет театральные постановки, работает в Центральном театре кукол. 

Его тонкие акварельные работы полны деталей и эмоциональности. Пейзажи проникнуты любовью к изображаемому, а потому очень теплые – это отражается и в цвете, и в линиях. 

Произведения художника находятся в музеях Москвы, Санкт-Петербурга, Коврова, а также в частных собраниях в России и за рубежом.

Вечтомов Николай Евгеньевич (1923–2007) — живописец.

«…Николай Вечтомов, пожалуй, единственный, кого не без оснований причисляют к сюрреалистам.

…Его полотна — это окна, открытые в неведомый мир. Это не трансцендентный мир, даже не мир снов или подсознания. Это мир космоса. Не того космоса, о котором пишут фантасты. Точнее, он не стал им, потому что средства художника были иные. Он не натуралист, реконструирующий обстановку межпланетного путешествия. Он передает ощущение, среду миров, существующих или не существующих, и делает это убедительно. …Эти полуабстрактные, как бы вырезанные из тяжелых металлических плит плоские закругленные формы на фоне пронзительно красных или желтых небес иногда с условной полосой почвы, несомненно, создают определенное настроение…» (Л. Кропивницкий, 1965).

«…Мои работы связаны не только с собственным состоянием, но и с общественными катаклизмами. Тайфуном, например. Эпичностью легенды. У меня сложный ассоциативный ряд. Мне подсказывает внутренний голос. Название рождается в процессе работы, тогда же возникают и новые идеи… Так, например, работа «Древние стены» создана под впечатлением от посещения Борисоглебского монастыря» (Н. Вечтомов).

Экспонировался с 1961. В том же году в Москве состоялась первая персональная (квартирная) выставка художника. Принимал участие во многих групповых выставках в СССР и за рубежом, в том числе:

1967 — выставка произведений 12 московских художников (клуб «Дружба», Москва); выставка живописи и графики из собрания А. Глезера (Тбилиси);

1974 —Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);

1975 — выставка живописи московских художников (павильон «Пчеловодство», ВДНХ, Москва);

1991 — «Другое искусство» Москва. 1956–76 (ГТГ, Москва).

Михаил Владимирович Маторин (1901–1976) – художник, график, акварелист, мастер книжного оформления.

Он внес значимый вклад в искусство гравюры. Исследования его работ, посвященных Выборгу, имеют международное значение. 

Одновременно с работой над гравюрами, Маторин занимался живописью и рисунком: гуашь, акварель, реже масло, чаще темпера, карандаш, пастель, уголь – он не ограничивал себя доской и штихелями (резцами), а был разносторонним художником, запальчиво влюбленным вискусство. В цветных линогравюрах Маторин порой использовал до 12 досок, добиваясь эффекта живописи.

Михаил Владимирович Маторин (1901–1976) – художник, график, акварелист, мастер книжного оформления.

Он внес значимый вклад в искусство гравюры. Исследования его работ, посвященных Выборгу, имеют международное значение. 

Одновременно с работой над гравюрами, Маторин занимался живописью и рисунком: гуашь, акварель, реже масло, чаще темпера, карандаш, пастель, уголь – он не ограничивал себя доской и штихелями (резцами), а был разносторонним художником, запальчиво влюбленным вискусство. В цветных линогравюрах Маторин порой использовал до 12 досок, добиваясь эффекта живописи.

Руслан Усманович Хамдамов (1941-н.д.) – кинорежиссёр, сценарист, художник. Родился в Узбекистане, в Ташкенте. С детства рисовал, но первые работы пропали на родине из-за землетрясения. 

Он не получил художественного образования, однако графика его создавалась в ритме с дыханием, руки всегда знали, как создать правильную линию. О Руслане Усмановиче говорят как о человеке с невероятно развитым визуальным воображением: услышав сюжет, он способен изобразить его детально на бумаге. 

Через те же визуальные детали ему всегда удавалось прекрасно отразить характер человека, особенно женский характер. Нежные образы он создавал в своих графических, акварельных работах, в эскизах для европейских домов моды, которыми индустрия часто вдохновлялась. Удавались ему изображения женщин и в кино: Елены Соловей, Ренаты Литвиновой, Жанны Моро  – эти актрисы блистали в картинах режиссерской работы Хамдамова. 

Коллекцию нашего Арт-центра пополнили минималистичные работы Руслана Хамдамова, в которых много воздуха, есть абсолютная завершенность образа, настроения и эстетики. Их легко понять, и ими нельзя не проникнуться.

Юрий Васильевич Горбунов (1933-н.в.) — живописец, график, монументалист, художник театра. Учился в Костромском художественном училище (1948-58 гг.) и Харьковском институте (1958-64 гг.) у Б.В.Косарева. Секретарь Костромской организации Союза художников России. Работал художником Костромского драматического театра (1968-70 гг.). Произведения мастера находятся в региональных музеях и частных собраниях.

Получала образование в Училище барона Штиглица (1916–1918), во Вхутемасе у Н. Н. Купреянова, В. А. Фаворского (1919–1923). Член Объединения работников революционного плаката (1931–1932). С 1932 г. работала в основном в технике акварели, создавала серии на темы пионерской жизни и портреты.

Участвовала в выставках с 1932. Экспонировалась на выставке плаката «Десять лет без Ленина по ленинскому пути» (1934, Москва), первой выставке акварельной живописи московских художников (1937, Москва), выставке графики московских художников (1939, Архангельск), шестой выставке союза московских художников (1939, Москва), совместной с Н.С.Трошиным выставке рисунков и акварели (1946, Москва), Московской областной художественной выставке, посвященной 30-летию Советской власти (1947, Москва), выставке живописи, графики, скульптуры и декоративного искусства женщин-художниц к Международному женскому дню — 8 марта (1948, Москва).
В 2000 году, к 90-летию Н.С.Трошина, в галерее «Союз творчества» прошла «Выставка династии: Трошин, Дейнеко, Трошина-Дейнеко». Имя Дейнеко О.К. внесено в энциклопедию «Графика русских художников от А до Я» (М., 2002 г.).
Участвовала в выставках с 1932. Экспонировалась на выставке плаката «Десять лет без Ленина по ленинскому пути» (1934, Москва), первой выставке акварельной живописи московских художников (1937, Москва), выставке графики московских художников (1939, Архангельск), шестой выставке союза московских художников (1939, Москва), совместной с Н.С.Трошиным выставке рисунков и акварели (1946, Москва), Московской областной художественной выставке, посвященной 30-летию Советской власти (1947, Москва), выставке живописи, графики, скульптуры и декоративного искусства женщин-художниц к Международному женскому дню — 8 марта (1948, Москва).
В 2000 году, к 90-летию Н.С.Трошина, в галерее «Союз творчества» прошла «Выставка династии: Трошин, Дейнеко, Трошина-Дейнеко». Имя Дейнеко О.К. внесено в энциклопедию «Графика русских художников от А до Я» (М., 2002 г.).
Работы художницы находятся в ГТГ, ГРМ и других музеях.

Михаил Владимирович Маторин (1901–1976) – художник, график, акварелист, мастер книжного оформления.

Он внес значимый вклад в искусство гравюры. Исследования его работ, посвященных Выборгу, имеют международное значение. 

Одновременно с работой над гравюрами, Маторин занимался живописью и рисунком: гуашь, акварель, реже масло, чаще темпера, карандаш, пастель, уголь – он не ограничивал себя доской и штихелями (резцами), а был разносторонним художником, запальчиво влюбленным вискусство. В цветных линогравюрах Маторин порой использовал до 12 досок, добиваясь эффекта живописи.

Художник родился в Мелитополе Таврической губернии Российской империи в семье потомственного столяра. О ремесле, передававшемся из поколения в поколение, говорит и его фамилия: слово «тышлер» на идише обозначает «столяр». 

Окончил Киевское художественное училище. В 1917 году начал заниматься в художественной студии «амазонки авангарда» Александры Экстер. Занятия у Экстер продолжались до 1918 года, но своего развития не получили: в жизнь художника вмешалась Гражданская война. 

С 1924 года Александр Тышлер был увлечен беспредметным искусством, исследуя в своем творчестве идеи и художественные приемы авангарда. Начиная с 1927 года активно сотрудничал в качестве художника-оформителя со многими театрами Москвы, Минска, Харькова и Ленинграда. 

В послевоенные годы художник перешел от экспрессивных, стремящихся к абстракции и несущих в себе отголоски идей авангарда вещей 1930-х и 1940-х годов к более структурированным, выстроенным, композиционно и стилистически строгим произведениям 1950-х и 1960-х годов. 

Удивительно, но факт – знаменитый женский образ с фантастическими конструкциями на голове в трактовке самого автора не имел под собой изначально никакого метафорического контекста. Любимый Тышлером мотив, ставший своеобразной визитной карточкой его авторского стиля, был ничем иным, как переработанным воспоминанием из далекого мелитопольского прошлого художника: 

«Я вырос на юге, у нас всё на головах носили, всё, буквально всё – бублики, пирожки, лимонад, так что эти воспоминания имеют большое значение… Литературщины здесь нет никакой, это архитектурная композиция, чисто образная вещь… 

У меня вещи изображены совершенно реально, а соединение их с человеком – фантастично. Я люблю рисовать и писать людей, особенно женщин. Я изображаю их в необычных связях и ситуациях, вне законов перспективы. Казалось бы, человек меньше, чем дом, а в моих работах женщина может нести на голове дом или целый город». 

В 1950-х и 1960-х годах знаменитые женские образы Тышлера «вышагивают» из двумерного пространства бумаги или холста и превращаются в трехмерных «Дриад» – серию резной деревянной скульптуры, над которой художник работал на своей даче в подмосковной Верее. В поздний период своего творчества Александр Тышлер вернулся к композиционным и сюжетным находкам своих ранних работ и зачастую повторял или создавал варианты уже найденных когда-то образов.

Руслан Усманович Хамдамов (1941-н.д.) – кинорежиссёр, сценарист, художник. Родился в Узбекистане, в Ташкенте. С детства рисовал, но первые работы пропали на родине из-за землетрясения. 

Он не получил художественного образования, однако графика его создавалась в ритме с дыханием, руки всегда знали, как создать правильную линию. О Руслане Усмановиче говорят как о человеке с невероятно развитым визуальным воображением: услышав сюжет, он способен изобразить его детально на бумаге. 

Через те же визуальные детали ему всегда удавалось прекрасно отразить характер человека, особенно женский характер. Нежные образы он создавал в своих графических, акварельных работах, в эскизах для европейских домов моды, которыми индустрия часто вдохновлялась. Удавались ему изображения женщин и в кино: Елены Соловей, Ренаты Литвиновой, Жанны Моро  – эти актрисы блистали в картинах режиссерской работы Хамдамова. 

Коллекцию нашего Арт-центра пополнили минималистичные работы Руслана Хамдамова, в которых много воздуха, есть абсолютная завершенность образа, настроения и эстетики. Их легко понять, и ими нельзя не проникнуться.

Сергей Алексеевич Каусов (1917–2002) – Заслуженный художник РСФСР. 

Он родился в деревне Ожигово в Наро-Фоминском районе. С детства рисовал, получил образование в Московском текстильном институте. Сдача диплома пришлась на начало ВОВ. Но и на фронте талант художника пригодился: солдаты просили Сергея Алексеевича рисовать их портреты, чтобы отправить родным вместо фотографии. Так что работы мастера разлетелись по всей стране, тогда как у него самого осталось мало рисунков, сделанных в военное время. 

Творчество Сергея Каусова нашло применение в быту для многих людей, в основном в форме текстильного дизайна. На эскизах для тканей отразилась любовь художника к путешествиям по стране. Больше всего Сергея Алексеевича вдохновляли пейзажи Подмосковья и Москвы. Он запечатлел их в состоянии уже забытом, давно разрушенном и перестроенном, но от того только более трепетном и родном.

Анатолий Тимофеевич Зверев (1931–1986 гг.) – художник-нонконформист. Работал в различных техниках: тушь, гуашь, акварель, живопись, иногда спонтанно добавляя приправы, глину, варенье и др. Писал кистями, тряпками, пальцами.

Детство Анатолия Зверева прошло на окраине Москвы в бедности и жадным желанием рисовать … или срисовывать лубочные картинки. В 15 лет юноша бросает среднюю школу и учится в Художественном ремесленном училище на Преображенке у Дмитрия Лопатникова. Со следующим учебным заведением не сошлись характерами, так что после службы на флоте художник вынужден работать в одиночку: «Вот я покидаю училище живописи, — писал он другу, — и, по-флотски шлепая по бульвару и улице башмаком на правой и валенком на левой ноге, направляюсь в сторону дома, где не поджидает меня никто, кроме кошки». 

Сначала он пишет только с натуры, уходя все дальше и дальше от академизма. Потом случайно знакомится с Александром Румневым, учится у него живописи и иностранным языкам. Зверев пишет теперь не только с натуры, но и без нее, главным образом методом разлива. Работает очень быстро, применяя смешанную технику: масло с акварелью, акварель с тушью и т. д. Он начинает либо с рисунка, используя его как схему для разлива, либо с разлива, в хаосе пятен нащупывая рисунок.

Постепенно круг артистических друзей Зверева расширяется. Его картины начинают собирать известный музыкант Андрей Волконский и Георгий Костаки. Вскоре к Звереву приходит все более широкое признание. Его картины появляются в частных собраниях не только Москвы и Ленинграда, но и Парижа, Лондона, Рима, Оттавы, Нью-Йорка, Вашингтона и Иерусалима.

Анатолий Зверев также любил создавать иллюстрации к различным книгам — среди его работ есть рисунки к Дон Кихоту, портрет Шекспира, наброски к апулеевскому «Золотому ослу».

В предисловии к одному из альбомов, включающих в себя наиболее красочные картины Анатолия Зверева, искусствовед С.Кусков охарактеризовал мастера такими эпитетами, как неистовый, неукротимый, стремительный. Они в полной мере отображают не только характер художника, но и энергетику, которой пронизаны все его работы.

Борис Ефимович Ефимов (1900-2008) — советский, российский и украинский художник-график, мастер политической карикатуры. Герой Социалистического Труда. Народный художник СССР. Лауреат Государственной премии СССР и двух Сталинских премий второй степени.

Анатолий Тимофеевич Зверев (1931–1986 гг.) – художник-нонконформист. Работал в различных техниках: тушь, гуашь, акварель, живопись, иногда спонтанно добавляя приправы, глину, варенье и др. Писал кистями, тряпками, пальцами.

Детство Анатолия Зверева прошло на окраине Москвы в бедности и жадным желанием рисовать … или срисовывать лубочные картинки. В 15 лет юноша бросает среднюю школу и учится в Художественном ремесленном училище на Преображенке у Дмитрия Лопатникова. Со следующим учебным заведением не сошлись характерами, так что после службы на флоте художник вынужден работать в одиночку: «Вот я покидаю училище живописи, — писал он другу, — и, по-флотски шлепая по бульвару и улице башмаком на правой и валенком на левой ноге, направляюсь в сторону дома, где не поджидает меня никто, кроме кошки». 

Сначала он пишет только с натуры, уходя все дальше и дальше от академизма. Потом случайно знакомится с Александром Румневым, учится у него живописи и иностранным языкам. Зверев пишет теперь не только с натуры, но и без нее, главным образом методом разлива. Работает очень быстро, применяя смешанную технику: масло с акварелью, акварель с тушью и т. д. Он начинает либо с рисунка, используя его как схему для разлива, либо с разлива, в хаосе пятен нащупывая рисунок.

Постепенно круг артистических друзей Зверева расширяется. Его картины начинают собирать известный музыкант Андрей Волконский и Георгий Костаки. Вскоре к Звереву приходит все более широкое признание. Его картины появляются в частных собраниях не только Москвы и Ленинграда, но и Парижа, Лондона, Рима, Оттавы, Нью-Йорка, Вашингтона и Иерусалима.

Анатолий Зверев также любил создавать иллюстрации к различным книгам — среди его работ есть рисунки к Дон Кихоту, портрет Шекспира, наброски к апулеевскому «Золотому ослу».

В предисловии к одному из альбомов, включающих в себя наиболее красочные картины Анатолия Зверева, искусствовед С.Кусков охарактеризовал мастера такими эпитетами, как неистовый, неукротимый, стремительный. Они в полной мере отображают не только характер художника, но и энергетику, которой пронизаны все его работы.

Алексей Васильевич Каменский (1927-2014) – живописец и график. Он родился в Абхазии, но еще в детстве переехал в Москву. В столице получил основательное художественное образование: учился в художественной школе и позднее в Московском художественном институте им. В.И. Сурикова.

Был нонконформистом, поэтому до конца советского периода не мог принимать активного участия в выставках. Его творчество явно шло вразрез с традициями соц. реализма. С середины 70-х годов Алексей Каменский иллюстрировал детскую литературу. А в 89-м взялся за иллюстрации к стихам Велимира Хлебникова, Владимира Маяковского, конечно, Василия Каменского и даже Андре Бретона.

Работа из нашей коллекции производит, на первый взгляд, вполне реалистическое впечатление. Но люди здесь будто бы не заполняют пространство, а становятся его неотрывной частью, сливаются в единый смазанный поток фигур, так что сложно отличить рядом стоящие силуэты. В запечатленном моменте полно движения, которое хочется разглядывать и мысленно продолжать.

Работы Алексея Каменского можно найти в собраниях Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской галереи, целом ряде российских и зарубежных частных коллекций.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) — живописец, график, сценограф, историк искусства, художественный критик.

Крупнейший мастер русского искусства первой половины ХХ столетия, создавший свой стиль в станковой живописи, графике, книжной иллюстрации, сценографии. Сфера его художественных интересов необычайно обширна и разнообразна, а основой творческих поисков был ретроспективизм, прежде всего история и искусство XVIII столетия.

В своей работе умело использовал различные техники — акварель, гуашь, пастель, масло, темперу, тушь, карандаш, часто прибегал к смешанным техникам, добиваясь гармоничного взаимодействия живописных и графических элементов в одном произведении. Основные особенности манеры Бенуа — беглость, незаконченность, обнаженность технических приемов, подчеркнутая фактура мазка или штриха, «острые» фрагментарные композиции, высокие или низкие точки зрения, позволявшие художнику достигать особой выразительности и поэтичности.

Произведения находятся во многих музейных и частных собраниях. Крупные коллекции работ Бенуа хранятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина.

Анатолий Тимофеевич Зверев (1931–1986 гг.) – художник-нонконформист. Работал в различных техниках: тушь, гуашь, акварель, живопись, иногда спонтанно добавляя приправы, глину, варенье и др. Писал кистями, тряпками, пальцами.

Детство Анатолия Зверева прошло на окраине Москвы в бедности и жадным желанием рисовать … или срисовывать лубочные картинки. В 15 лет юноша бросает среднюю школу и учится в Художественном ремесленном училище на Преображенке у Дмитрия Лопатникова. Со следующим учебным заведением не сошлись характерами, так что после службы на флоте художник вынужден работать в одиночку: «Вот я покидаю училище живописи, — писал он другу, — и, по-флотски шлепая по бульвару и улице башмаком на правой и валенком на левой ноге, направляюсь в сторону дома, где не поджидает меня никто, кроме кошки».

Сначала он пишет только с натуры, уходя все дальше и дальше от академизма. Потом случайно знакомится с Александром Румневым, учится у него живописи и иностранным языкам. Зверев пишет теперь не только с натуры, но и без нее, главным образом методом разлива. Работает очень быстро, применяя смешанную технику: масло с акварелью, акварель с тушью и т. д. Он начинает либо с рисунка, используя его как схему для разлива, либо с разлива, в хаосе пятен нащупывая рисунок.

Постепенно круг артистических друзей Зверева расширяется. Его картины начинают собирать известный музыкант Андрей Волконский и Георгий Костаки. Вскоре к Звереву приходит все более широкое признание. Его картины появляются в частных собраниях не только Москвы и Ленинграда, но и Парижа, Лондона, Рима, Оттавы, Нью-Йорка, Вашингтона и Иерусалима.

Анатолий Зверев также любил создавать иллюстрации к различным книгам — среди его работ есть рисунки к Дон Кихоту, портрет Шекспира, наброски к апулеевскому «Золотому ослу».
В предисловии к одному из альбомов, включающих в себя наиболее красочные картины Анатолия Зверева, искусствовед С.Кусков охарактеризовал мастера такими эпитетами, как неистовый, неукротимый, стремительный. Они в полной мере отображают не только характер художника, но и энергетику, которой пронизаны все его работы.

Павел Львович Бунин (1927 – 2008) был не только художником-иллюстратором, но также поэтом и переводчиком. Его иллюстрации благодаря этому имели более тесную связь с текстом. Они были не просто визуальным дополнением, но дополнительной ступенью, ведущей к более глубокому пониманию словесного произведения.

Павел Бунин создавал иллюстрации к классическим произведениям, касаясь авторов от Вергилия до Пушкина. Стиль, в котором работал художник, зависел от страны и времени в художественном пространстве иллюстрируемого произведения.

Умению филигранно переносить текстуальный образ в зрительный способствовали таланты и интересы Павла Львовича. Например, его неравнодушие к иностранным языкам. Вот как сам автор говорит о своем опыте изучения немецкого и английского: «Сам. По книгам. С бабушкой говорил по-немецки. С Чуковским иногда — по-английски. Бабушка с дедушкой порой переговаривались по-немецки о моем воспитании. Выучил — сперва, чтобы их подслушивать».

По собственному признанию художника, определяющим фактором становления его личности были книги. Иллюстрации Бунина «магнетичны» – это всегда сотворчество с писателем, проникновение в глубины его замыслов. Некоторые тексты (стихотворения английских поэтов от сэра Уолтера Рейли до Редьярда Киплинга) Бунин сам перевёл на русский язык. Написал воспоминания о К.И.Чуковском, с которым был дружен ещё подростком.

Состоялось 60 персональных выставок художника – в Москве, Вене, Париже, Пятигорске, Базеле, Кембридже, на Сахалине.

Сергей Митрофанович Городецкий (1884–1967) — русский советский поэт, переводчик, педагог, художник.

Сергей Городецкий родился в Петербурге в 1884 году в творческой и литературной семье. Его отец был известным писателем и публицистом, оказал на сына большое влияние. После окончания петербургской общеобразовательной гимназии Сергей Городецкий поступил в Петербургский университет на филологический факультет, где познакомился с Александром Блоком и другими талантливыми современниками.

Многие живописные и графические работы С. Городецкого были отмечены И. Е. Репиным, нередко представлялись на выставках. В семейном архиве сохранилась только часть художественного наследия Городецкого, основная доля работ пропала ещё во время революции. Среди бесследно утраченных работ – ранний портрет Сергея Есенина. Городецкий был наставником молодого поэта, и они много общались, читали друг другу стихи и очень дружили. Городецкий вспоминает, с каким радостным настроением написал портрет «Юноша с растрепанными волосами, сидящий у окна». Среди графических портретов С.М. Городецкого – портреты С. Клычкова, П. Радимова, Н. Гумилёва, Н. Клюева, А. Ремизова, А. Ширяевца, Н. Рериха. Каждый образ выразителен по-своему, блестяще переданы характер и внешнее сходство. Рисунок Городецкого всегда легкий, непринужденный, лишённый академической строгости. В каждой работе раскрывается душа поэта и художника, тонко чувствующего собеседника и свободно выражающего своё впечатление о нём.

Дмитрий Маврикиевич Мерперт (1924–2008?) – живописец, монументалист, плакатист.

В основном работал в направлении соц. реализма. За мозаичные панно, сделанные в Артеке, Дмитрий Маврикиевич удостоился премии Ленинского комсомола. В современной России была введена похожая премия за достижения в науке или искусствах, в общем за вклад в развитие культуры страны.

Выполнил мозаичное панно в соавторстве с Яковом Скрипниковым, которое называется «Строители коммунизма». Герои на нем скорее напоминают античные статуи, но это и неудивительно для советского изобразительного искусства. Основная фигура в этой композиции тоже стремится конечностями удержать в единстве четыре стороны рамки, прямо как на картине из нашей коллекции.

На автопортрете он изобразил себя под стать масштабным, едва ли устойчивым, но занимающим собой значительное пространство – как свойственно творческим людям. Яркие краски фона взывают к фантазии зрителя, показывая, каким художник видит этот мир: живым и пестрым.

Игорь Евгеньевич Майоров (1946-1991) – советский художник-акварелист и чеканщик. Его семья не была связана с искусством, но рисовать Игорь Евгеньевич начал еще ребенком в Доме пионеров. Будущий художник сразу проявил свой талант.

 Победа на конкурсе рисунков дала ему возможность учиться в Академии художеств Иогансона, а потом и в Художественном училище им. Серова у Марины Георгиевны Тиме-Блок. Она уделяла способному ученику много внимания, подталкивала его к экспериментам с техникой. Благодаря этому Игорь Евгеньевич к концу обучения мог рисовать чем угодно: хоть спичкой, хоть щепкой, хоть металлической лопаткой, не предназначенной для акварели. 

При жизни Игорь Майоров не был популярным художником. Буквально через год после его ухода состоялась выставка в Гамбурге, где работы Майорова имели большой успех. И после они стали быстро расходиться по коллекциям знаменитостей: Мстислава Ростроповича, Пола Маккартни, Майи Плисецкой, Валентины Терешковой и других.

Анатолий Тимофеевич Зверев (1931–1986 гг.) – художник-нонконформист. Работал в различных техниках: тушь, гуашь, акварель, живопись, иногда спонтанно добавляя приправы, глину, варенье и др. Писал кистями, тряпками, пальцами.

Детство Анатолия Зверева прошло на окраине Москвы в бедности и жадным желанием рисовать … или срисовывать лубочные картинки. В 15 лет юноша бросает среднюю школу и учится в Художественном ремесленном училище на Преображенке у Дмитрия Лопатникова. Со следующим учебным заведением не сошлись характерами, так что после службы на флоте художник вынужден работать в одиночку: «Вот я покидаю училище живописи, — писал он другу, — и, по-флотски шлепая по бульвару и улице башмаком на правой и валенком на левой ноге, направляюсь в сторону дома, где не поджидает меня никто, кроме кошки».

Сначала он пишет только с натуры, уходя все дальше и дальше от академизма. Потом случайно знакомится с Александром Румневым, учится у него живописи и иностранным языкам. Зверев пишет теперь не только с натуры, но и без нее, главным образом методом разлива. Работает очень быстро, применяя смешанную технику: масло с акварелью, акварель с тушью и т. д. Он начинает либо с рисунка, используя его как схему для разлива, либо с разлива, в хаосе пятен нащупывая рисунок.

Постепенно круг артистических друзей Зверева расширяется. Его картины начинают собирать известный музыкант Андрей Волконский и Георгий Костаки. Вскоре к Звереву приходит все более широкое признание. Его картины появляются в частных собраниях не только Москвы и Ленинграда, но и Парижа, Лондона, Рима, Оттавы, Нью-Йорка, Вашингтона и Иерусалима.

Анатолий Зверев также любил создавать иллюстрации к различным книгам — среди его работ есть рисунки к Дон Кихоту, портрет Шекспира, наброски к апулеевскому «Золотому ослу».
В предисловии к одному из альбомов, включающих в себя наиболее красочные картины Анатолия Зверева, искусствовед С.Кусков охарактеризовал мастера такими эпитетами, как неистовый, неукротимый, стремительный. Они в полной мере отображают не только характер художника, но и энергетику, которой пронизаны все его работы.

Игорь Евгеньевич Майоров (1946-1991) – советский художник-акварелист и чеканщик. Его семья не была связана с искусством, но рисовать Игорь Евгеньевич начал еще ребенком в Доме пионеров. Будущий художник сразу проявил свой талант.

 Победа на конкурсе рисунков дала ему возможность учиться в Академии художеств Иогансона, а потом и в Художественном училище им. Серова у Марины Георгиевны Тиме-Блок. Она уделяла способному ученику много внимания, подталкивала его к экспериментам с техникой. Благодаря этому Игорь Евгеньевич к концу обучения мог рисовать чем угодно: хоть спичкой, хоть щепкой, хоть металлической лопаткой, не предназначенной для акварели. 

При жизни Игорь Майоров не был популярным художником. Буквально через год после его ухода состоялась выставка в Гамбурге, где работы Майорова имели большой успех. И после они стали быстро расходиться по коллекциям знаменитостей: Мстислава Ростроповича, Пола Маккартни, Майи Плисецкой, Валентины Терешковой и других.

Леонид Давидович Каминский (1931 — 2005) — график. Член Союза художников СССР. Член СЖ СССР.

Окончил Ленинградский инженерно-строительный институт в 1954 г. и Московский полиграфический институт в 1966г. по специальности художник-график.

В Боевом карандаше с 1959 г. Работал редактором отдела сатиры и юмора журнала Аврора, редактором-составителем отдела юмора детского журнала Костер.

Татьяна Сергеевна Козулина (1912-2007) — график. Член Союза художников СССР.

Алексей Иванович Кацеблин (1902-1968) — советский живописец, один из первых профессиональных художников Карелии, организатор Карельского союза советских художников.

Родная Карелия всегда проявлялась в его произведениях, несмотря на то, что большую часть жизни Алексей Иванович провел в Ленинграде. В 1936 г. В Петрозаводске был открыт Дом народного творчества, начала функционировать изостудия. Кацеблин был привлечен к преподавательской работе в этой студии.

Для Карельского государственного музея А. И. Кацеблин написал серию портретов участников Гражданской войны в Карелии. Добиваясь точности описания, художник посетил места боев в Видлице, Лижме, Кеми. Работы Кацеблина, посвященные Гражданской войне в Карелии, образны и выразительны, пропитаны неподдельным впечатлением с мест событий.

В середине 1930-х гг. с истории художник переводит свое внимание на современную жизнь в Карелии. Новые работы были представлены на персональной выставке в 1939 г. Петрозаводчане увидели циклы: «Карелия», «Город Петрозаводск», «НиваГЭС», «Кандалакша» и др. Выставка имела большой успех. Автор стремился к эффекту «узнаваемости», часто жертвуя художественным началом картины. Он будто иллюстрировал реальность, уводя внимание зрителя от красоты пейзажа или людей на технику. Именно ей отводились первые планы.

Картина из нашей коллекции изображает как раз техническое преображение города Кандалакши, в советское время входившего в состав Карельской автономии. Здесь крыша завода образует собой передний план картины. Однако вдали еще виден зимний пейзаж, постепенно поглощаемый городом. Кажется, очень разное настроение выражала картина во время, когда была написана, и сейчас, когда новые здания мы видим чаще, чем зимний лес.

Аминад Моисеевич Каневский (1898–1976) — график. После окончания Вхутеина в 1930 вместе с группой однокурсников основал группу плакатистов. Выполнил иллюстрации к детским книгам «Девушка-ревушка» А. Л. и П. С. Барто (1935), «Дедушкина внучка» (1954), «Леночка с букетом» (1968) А. Л. Барто, «Дядя Степа» (1936), «Басни» (1946), «Облака» (1964) С. В. Михалкова, «Так и не так» (1940), «Чудо-дерево» (1943), «Мойдодыр» (1950), «Тараканище» (1953) К. И. Чуковского, «Кошкин дом» (1955), «Вот какой рассеянный» (1956), «Вакса-клякса» (1960) С. Я. Маршака, «Витя Малеев в школе и дома» (1970), «Веселая семейка» (1973) Н. Н. Носова и другим. Иллюстрировал произведения И. А. Крылова, А. С. Пушкина, Н. В. Гоголя, М. Е. Салтыкова-Щедрина, А. П. Чехова, А. Н. Толстого, В. В. Маяковского.

Член АХРР. Участвовал в выставках «Плакат на службе пятилетки» (1932) в Москве, «Художники РСФСР за XV лет» в Ленинграде и Москве (1932–1934) и других. В 1962 избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР, в 1966 удостоен звания народного художника РСФСР, с 1973 — действительный член Академии художеств СССР, народный художник СССР. Награжден орденом Трудового Красного знамени.

Произведения Каневского находятся во многих музейных собраниях, среди них — Государственная Третьяковская галерея, Государственный Русский музей, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственный литературный музей и другие.

Владимир Николаевич Немухин (1925-2016 гг.)
Живописец, скульптор, автор объектов и инсталляций.

Входил в Лианозовскую группу. Активно экспонировал свои работы на квартирных и публичных выставках авангардного искусства. Участник многих политических акций и большинства крупных выставок московского художественного авангарда, в том числе т. н. «Бульдозерной выставки» (1974); выставки в лесопарке «Измайлово» (1974); выставки в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ (1975) и других.

🃏🃏🃏
«В своем творчестве после экспериментов с абстрактным экспрессионизмом (1959–1962) постепенно вернулся к фигуративности, обрел свой стиль, создав полуабстрактные «натюрморты с картами». Последнее время появились карты — нарисованные, даже наклеенные. То их сотни на холсте, они испещряют его, создавая причудливую игру пятен и запутанной изысканной фактуры. То одна — десятка или двойка — на всем полотне. И видно, что карты — обычные игральные карты и карты, извечно таинственные и мистические, — вестники судеб, хотя и привлекают художника своей скрытой, теряющейся в веках магической стороной, но главное не в этом. Главное здесь, как и прежде, — цвет. Что ж! — крапчатый рисунок разложенных пасьянсов или крупное очко масти — разве это не простор для новых поисков усложненных цветовых гамм?» (Л. Кропивницкий. 1965).

Произведения Немухина вошли в постоянную экспозицию Государственной Третьяковской галереи (Москва), они хранятся в Московском музее современного искусства; Музее Метрополитен и Музее современного искусства в Нью-Йорке (США); Музее современного искусства Людвига в Кельне (Германия), а также в отечественных и зарубежных частных собраниях.

Дмитрий Семенович Громан (1924-?) — художник-нонконформист, график. Член Союза художников  СССР. Родился в 1924 году в Одессе. Окончил Московский полиграфический институт. Входил в художественное объединение “Новая реальность”, под руководством Элия Белютина.

Анатолий Тимофеевич Зверев (1931–1986 гг.) – художник-нонконформист. Работал в различных техниках: тушь, гуашь, акварель, живопись, иногда спонтанно добавляя приправы, глину, варенье и др. Писал кистями, тряпками, пальцами.

Детство Анатолия Зверева прошло на окраине Москвы в бедности и жадным желанием рисовать … или срисовывать лубочные картинки. В 15 лет юноша бросает среднюю школу и учится в Художественном ремесленном училище на Преображенке у Дмитрия Лопатникова. Со следующим учебным заведением не сошлись характерами, так что после службы на флоте художник вынужден работать в одиночку: «Вот я покидаю училище живописи, — писал он другу, — и, по-флотски шлепая по бульвару и улице башмаком на правой и валенком на левой ноге, направляюсь в сторону дома, где не поджидает меня никто, кроме кошки».

Сначала он пишет только с натуры, уходя все дальше и дальше от академизма. Потом случайно знакомится с Александром Румневым, учится у него живописи и иностранным языкам. Зверев пишет теперь не только с натуры, но и без нее, главным образом методом разлива. Работает очень быстро, применяя смешанную технику: масло с акварелью, акварель с тушью и т. д. Он начинает либо с рисунка, используя его как схему для разлива, либо с разлива, в хаосе пятен нащупывая рисунок.

Постепенно круг артистических друзей Зверева расширяется. Его картины начинают собирать известный музыкант Андрей Волконский и Георгий Костаки. Вскоре к Звереву приходит все более широкое признание. Его картины появляются в частных собраниях не только Москвы и Ленинграда, но и Парижа, Лондона, Рима, Оттавы, Нью-Йорка, Вашингтона и Иерусалима.

Анатолий Зверев также любил создавать иллюстрации к различным книгам — среди его работ есть рисунки к Дон Кихоту, портрет Шекспира, наброски к апулеевскому «Золотому ослу».
В предисловии к одному из альбомов, включающих в себя наиболее красочные картины Анатолия Зверева, искусствовед С.Кусков охарактеризовал мастера такими эпитетами, как неистовый, неукротимый, стремительный. Они в полной мере отображают не только характер художника, но и энергетику, которой пронизаны все его работы.

Анатолий Тимофеевич Зверев (1931–1986 гг.) – художник-нонконформист. Работал в различных техниках: тушь, гуашь, акварель, живопись, иногда спонтанно добавляя приправы, глину, варенье и др. Писал кистями, тряпками, пальцами.

Детство Анатолия Зверева прошло на окраине Москвы в бедности и жадным желанием рисовать … или срисовывать лубочные картинки. В 15 лет юноша бросает среднюю школу и учится в Художественном ремесленном училище на Преображенке у Дмитрия Лопатникова. Со следующим учебным заведением не сошлись характерами, так что после службы на флоте художник вынужден работать в одиночку: «Вот я покидаю училище живописи, — писал он другу, — и, по-флотски шлепая по бульвару и улице башмаком на правой и валенком на левой ноге, направляюсь в сторону дома, где не поджидает меня никто, кроме кошки». 

Сначала он пишет только с натуры, уходя все дальше и дальше от академизма. Потом случайно знакомится с Александром Румневым, учится у него живописи и иностранным языкам. Зверев пишет теперь не только с натуры, но и без нее, главным образом методом разлива. Работает очень быстро, применяя смешанную технику: масло с акварелью, акварель с тушью и т. д. Он начинает либо с рисунка, используя его как схему для разлива, либо с разлива, в хаосе пятен нащупывая рисунок.

Постепенно круг артистических друзей Зверева расширяется. Его картины начинают собирать известный музыкант Андрей Волконский и Георгий Костаки. Вскоре к Звереву приходит все более широкое признание. Его картины появляются в частных собраниях не только Москвы и Ленинграда, но и Парижа, Лондона, Рима, Оттавы, Нью-Йорка, Вашингтона и Иерусалима.

Анатолий Зверев также любил создавать иллюстрации к различным книгам — среди его работ есть рисунки к Дон Кихоту, портрет Шекспира, наброски к апулеевскому «Золотому ослу».

В предисловии к одному из альбомов, включающих в себя наиболее красочные картины Анатолия Зверева, искусствовед С.Кусков охарактеризовал мастера такими эпитетами, как неистовый, неукротимый, стремительный. Они в полной мере отображают не только характер художника, но и энергетику, которой пронизаны все его работы.

Владимир Николаевич Немухин (1925-2016 гг.)
Живописец, скульптор, автор объектов и инсталляций.

Входил в Лианозовскую группу. Активно экспонировал свои работы на квартирных и публичных выставках авангардного искусства. Участник многих политических акций и большинства крупных выставок московского художественного авангарда, в том числе т. н. «Бульдозерной выставки» (1974); выставки в лесопарке «Измайлово» (1974); выставки в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ (1975) и других.

🃏🃏🃏
«В своем творчестве после экспериментов с абстрактным экспрессионизмом (1959–1962) постепенно вернулся к фигуративности, обрел свой стиль, создав полуабстрактные «натюрморты с картами». Последнее время появились карты — нарисованные, даже наклеенные. То их сотни на холсте, они испещряют его, создавая причудливую игру пятен и запутанной изысканной фактуры. То одна — десятка или двойка — на всем полотне. И видно, что карты — обычные игральные карты и карты, извечно таинственные и мистические, — вестники судеб, хотя и привлекают художника своей скрытой, теряющейся в веках магической стороной, но главное не в этом. Главное здесь, как и прежде, — цвет. Что ж! — крапчатый рисунок разложенных пасьянсов или крупное очко масти — разве это не простор для новых поисков усложненных цветовых гамм?» (Л. Кропивницкий. 1965).

Произведения Немухина вошли в постоянную экспозицию Государственной Третьяковской галереи (Москва), они хранятся в Московском музее современного искусства; Музее Метрополитен и Музее современного искусства в Нью-Йорке (США); Музее современного искусства Людвига в Кельне (Германия), а также в отечественных и зарубежных частных собраниях.

«Кукрыниксы» – эту сложную аббревиатуру создали друзья-художники, слово сложено из первых слогов фамилий Куприянов и Крылов и трёх первых букв имени и первой буквы фамилии Николая Соколова. Началось их совместное творчество ещё в студенческие годы в Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас).

Они очень серьёзно относились к иллюстрированию книжек. До настоящего времени их иллюстрации к чеховской «Даме с собачкой» считаются лучшими. Как говорили современники, их иллюстрации к книге «Золотой телёнок» Ильфа и Петрова сделали её в два раза смешнее.
В списке их работ иллюстрации к таким книгам, как «Фома Гордеев» и «Мать» Горького, «Портрет» Гоголя, «Дон-Кихот» Сервантеса, «Хождение по мукам» Алексея Толстого.

Василий Елисеевич Литко (1900-1939) — художник, график, книжный иллюстратор. 

В 1916 году поступил в Петроградскую Академию художеств. Одновременно с учебой в Академии работал каменщиком, грузчиком, молотоотбойцем. В 1918 году работал художником в большевистских газетах «Южная правда» и «Солдат революции». В 1919 году был назначен комиссаром Инженерно-командных курсов в Екатеринославе (современный Днепропетровск). Участвовал в боевых действиях Красной армии, попал в плен, был освобожден конницей Буденного и отправлен в Харьковский госпиталь.

После окончания войны Литко был командирован в Академию художеств для окончания художественного образования, но из-за состояния здоровья, не позволяющего жить в Ленинграде, был переведен в московский ВХУТЕИН, который окончил в 1924 году. Параллельно с учебой Василий Елисеевич преподавал в Кремлевской объединенной школе ВЦИК, а также сотрудничал как художник-график с рядом московских издательств: в 1921-25 гг. иллюстрировал книги и оформлял обложки для издательств ОГИЗ «Московский рабочий», ЗИФ, работал в журналах «Металлист» и «Деревообделочник». 

Бунин Павел Львович (1927-2008) — художник-график, иллюстратор, мемуарист, поэт-переводчик, окончил МХГИ им. В.И. Сурикова, иллюстрировал классиков мировой литературы Данте, Марка Твена, О. Бальзака, Овидия и др. Особенно известны его иллюстрации к «Легенде о Тиле Уленшпигеле…» Шарля де Костера и к произведениям А.С. Пушкина.

Леонид Анатольевич Пурыгин – художник, творчество которого имеет черты «наивного искусства». 

Он родился в Наро-Фоминске в семье военного. Отец его в отставке занимался производством игрушек. Этот факт хочется воспринимать как причину появления странных фантасмагорических образов в его живописи. Произведения Пурыгина действительно сложны для трактовки и восприятия, но при этом, безусловно, завораживающие. Неудивительно, что Леонид Анатольевич не состоял ни в каком творческом сообществе, не примкнул ни к одному направлению, а творил в самобытной манере сначала в России, потом уже в Америке, периодически навещая родину. 

Центр его художественного пространства занимает он сам: Леонид Пурыгин рисовал миф о себе – «Лёне Пурыгине, художнике из Нары. Гениальном». Вдохновлялся, скорее всего, русским лубком и религиозной живописью; часто дополнял свои картины забавными надписями. Они объясняют изображенное и завершают образ «народного художника», который говорит просто, в стиле свободного вступления к древнерусским летописям. Например, на деревянном складне из коллекции нашего Арт-центра написано: «Написал Леня складень, дабы все знали, что оная девушка есть святая, потому что она хорошая и любит людей, птиц и животных красивых и некрасивых». 

Работы Пурыгина выставляются в Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, в музеях и галереях Германии и США. 

Богородский Федор Семенович (1895-1959 гг.) – живописец, график, сценограф. Однако талант Федора Семеновича не ограничивался живописью: он был артистом разносторонним арстисом. 

Федор Богородский закончил в Нижнем Новгороде классическую гимназию, изобразительным искусством увлекался с юности: занимался в художественных студиях, делал успехи. Способный юноша помимо живописи отдавал много сил сцене: писал сценарии, готовил декорации, играл в спектаклях, и даже сам выступал под псевдонимом Ферри в цирке на Нижегородской ярмарке.

В период учебы в университете стал популярным футуризм, и художник им горячо увлекся. Учился Федор Семенович в Москве, и там его радушно приняли в среде поэтов и художников. Богородский сдружился с Маяковским и Каменским, Хлебниковым, Асеевым, и сам начал писать стихи. После мобилизации на Балтийский флот увлекся морем. По возвращении с войны художник почти 4 года занимался агитационной и политической деятельностью, но желал лишь вернуться к изобразительному искусству. Он получает художественное образование во ВХУТЕМАСе. Это время (середина 1920-х гг.) можно назвать творческим расцветом Федора Богородского – он приходит к реализму. Произведения этого периода, с четко построенной крупнофигурной композицией, выполнены в темпераментной, экспрессивной манере. Яркая выразительность типов и романтически эмоциональная приподнятость образов делает произведения особенно запоминающимися.

К моменту окончания ВХУТЕМАСа в 1927 году Богородский, уже признанный мастер, получает возможность выехать за рубеж в пенсионерскую поездку. С 1928 по 1930 год живет в Италии, Германии и Австрии, изучает новые для него техники рисунка, местные особенности жизни, человеческие типы, много работает. Наряду с большими «программными» картинами, на протяжении всей жизни создавал произведения более камерного характера — пейзажи, натюрморты, портреты; много работал с натуры; обращался к техникам темперы и акварели.

Творчество Богородского представлено во многих музейных собраниях, в частности в Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Нижегородском государственном художественном музее, Киевском музее русского искусства и других.

Богородский Федор Семенович (1895-1959 гг.) – живописец, график, сценограф. Однако талант Федора Семеновича не ограничивался живописью: он был артистом разносторонним арстисом. 

Федор Богородский закончил в Нижнем Новгороде классическую гимназию, изобразительным искусством увлекался с юности: занимался в художественных студиях, делал успехи. Способный юноша помимо живописи отдавал много сил сцене: писал сценарии, готовил декорации, играл в спектаклях, и даже сам выступал под псевдонимом Ферри в цирке на Нижегородской ярмарке.

В период учебы в университете стал популярным футуризм, и художник им горячо увлекся. Учился Федор Семенович в Москве, и там его радушно приняли в среде поэтов и художников. Богородский сдружился с Маяковским и Каменским, Хлебниковым, Асеевым, и сам начал писать стихи. После мобилизации на Балтийский флот увлекся морем. По возвращении с войны художник почти 4 года занимался агитационной и политической деятельностью, но желал лишь вернуться к изобразительному искусству. Он получает художественное образование во ВХУТЕМАСе. Это время (середина 1920-х гг.) можно назвать творческим расцветом Федора Богородского – он приходит к реализму. Произведения этого периода, с четко построенной крупнофигурной композицией, выполнены в темпераментной, экспрессивной манере. Яркая выразительность типов и романтически эмоциональная приподнятость образов делает произведения особенно запоминающимися.

К моменту окончания ВХУТЕМАСа в 1927 году Богородский, уже признанный мастер, получает возможность выехать за рубеж в пенсионерскую поездку. С 1928 по 1930 год живет в Италии, Германии и Австрии, изучает новые для него техники рисунка, местные особенности жизни, человеческие типы, много работает. Наряду с большими «программными» картинами, на протяжении всей жизни создавал произведения более камерного характера — пейзажи, натюрморты, портреты; много работал с натуры; обращался к техникам темперы и акварели.

Творчество Богородского представлено во многих музейных собраниях, в частности в Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Нижегородском государственном художественном музее, Киевском музее русского искусства и других.

Вечтомов Николай Евгеньевич (1923–2007) — живописец.

«…Николай Вечтомов, пожалуй, единственный, кого не без оснований причисляют к сюрреалистам.

…Его полотна — это окна, открытые в неведомый мир. Это не трансцендентный мир, даже не мир снов или подсознания. Это мир космоса. Не того космоса, о котором пишут фантасты. Точнее, он не стал им, потому что средства художника были иные. Он не натуралист, реконструирующий обстановку межпланетного путешествия. Он передает ощущение, среду миров, существующих или не существующих, и делает это убедительно. …Эти полуабстрактные, как бы вырезанные из тяжелых металлических плит плоские закругленные формы на фоне пронзительно красных или желтых небес иногда с условной полосой почвы, несомненно, создают определенное настроение…» (Л. Кропивницкий, 1965).

«…Мои работы связаны не только с собственным состоянием, но и с общественными катаклизмами. Тайфуном, например. Эпичностью легенды. У меня сложный ассоциативный ряд. Мне подсказывает внутренний голос. Название рождается в процессе работы, тогда же возникают и новые идеи… Так, например, работа «Древние стены» создана под впечатлением от посещения Борисоглебского монастыря» (Н. Вечтомов).

Экспонировался с 1961. В том же году в Москве состоялась первая персональная (квартирная) выставка художника. Принимал участие во многих групповых выставках в СССР и за рубежом, в том числе:

1967 — выставка произведений 12 московских художников (клуб «Дружба», Москва); выставка живописи и графики из собрания А. Глезера (Тбилиси);

1974 —Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);

1975 — выставка живописи московских художников (павильон «Пчеловодство», ВДНХ, Москва);

1991 — «Другое искусство» Москва. 1956–76 (ГТГ, Москва).

Бидструп Херлуф (1912-1988), датский художник-карикатурист, почетный член АХ СССР (1973).
Автор серий юмористических и сатирических рисунков на бытовые темы и (с 1940 года) политических карикатур, публикуемых в газетах «Сосиаль-демократен» и «Ланд ог фольк».
Острые, выразительные рисунки на политические и бытовые темы часто составляют целый изобразительный рассказ.
Большая часть серийных картинок Бидструпа создана им на основе личного опыта, собственных переживаний. Каждый, кто внимательно рассматривает эти картинки, находит, что за юмором в них сплошь и рядом скрывается глубокий подтекст.

Вечтомов Николай Евгеньевич (1923–2007) — живописец.

«…Николай Вечтомов, пожалуй, единственный, кого не без оснований причисляют к сюрреалистам.

…Его полотна — это окна, открытые в неведомый мир. Это не трансцендентный мир, даже не мир снов или подсознания. Это мир космоса. Не того космоса, о котором пишут фантасты. Точнее, он не стал им, потому что средства художника были иные. Он не натуралист, реконструирующий обстановку межпланетного путешествия. Он передает ощущение, среду миров, существующих или не существующих, и делает это убедительно. …Эти полуабстрактные, как бы вырезанные из тяжелых металлических плит плоские закругленные формы на фоне пронзительно красных или желтых небес иногда с условной полосой почвы, несомненно, создают определенное настроение…» (Л. Кропивницкий, 1965).

«…Мои работы связаны не только с собственным состоянием, но и с общественными катаклизмами. Тайфуном, например. Эпичностью легенды. У меня сложный ассоциативный ряд. Мне подсказывает внутренний голос. Название рождается в процессе работы, тогда же возникают и новые идеи… Так, например, работа «Древние стены» создана под впечатлением от посещения Борисоглебского монастыря» (Н. Вечтомов).

Экспонировался с 1961. В том же году в Москве состоялась первая персональная (квартирная) выставка художника. Принимал участие во многих групповых выставках в СССР и за рубежом, в том числе:

1967 — выставка произведений 12 московских художников (клуб «Дружба», Москва); выставка живописи и графики из собрания А. Глезера (Тбилиси);

1974 —Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);

1975 — выставка живописи московских художников (павильон «Пчеловодство», ВДНХ, Москва);

1991 — «Другое искусство» Москва. 1956–76 (ГТГ, Москва).

Вечтомов Николай Евгеньевич (1923–2007) — живописец.

«…Николай Вечтомов, пожалуй, единственный, кого не без оснований причисляют к сюрреалистам.

…Его полотна — это окна, открытые в неведомый мир. Это не трансцендентный мир, даже не мир снов или подсознания. Это мир космоса. Не того космоса, о котором пишут фантасты. Точнее, он не стал им, потому что средства художника были иные. Он не натуралист, реконструирующий обстановку межпланетного путешествия. Он передает ощущение, среду миров, существующих или не существующих, и делает это убедительно. …Эти полуабстрактные, как бы вырезанные из тяжелых металлических плит плоские закругленные формы на фоне пронзительно красных или желтых небес иногда с условной полосой почвы, несомненно, создают определенное настроение…» (Л. Кропивницкий, 1965).

«…Мои работы связаны не только с собственным состоянием, но и с общественными катаклизмами. Тайфуном, например. Эпичностью легенды. У меня сложный ассоциативный ряд. Мне подсказывает внутренний голос. Название рождается в процессе работы, тогда же возникают и новые идеи… Так, например, работа «Древние стены» создана под впечатлением от посещения Борисоглебского монастыря» (Н. Вечтомов).

Экспонировался с 1961. В том же году в Москве состоялась первая персональная (квартирная) выставка художника. Принимал участие во многих групповых выставках в СССР и за рубежом, в том числе:

1967 — выставка произведений 12 московских художников (клуб «Дружба», Москва); выставка живописи и графики из собрания А. Глезера (Тбилиси);

1974 —Progressive Stromungen in Moskau 1957–1970 (Museum Bochum, Бохум, ФРГ);

1975 — выставка живописи московских художников (павильон «Пчеловодство», ВДНХ, Москва);

1991 — «Другое искусство» Москва. 1956–76 (ГТГ, Москва).

Гапоненко Тарас Гурьевич (1906–1993) — живописец, график.

Работал в области монументальной живописи. Выполнил росписи клуба «Пролетарий» в Москве (1930); вместе с А. А. Пластовым и А. П. Бубновым работал над созданием панно «Знатные люди Страны Советов» для Советского павильона на Всемирной выставке в Нью-Йорке (1939).

Преподавал в Центральной студии ВЦСПС и на графическом факультете Московского педагогического института имени В. П. Потёмкина.

Автор книги «Монументальная живопись в ее прошлом и настоящем» (М., 1931).

Член-корреспондент Академии художеств СССР (с 1954), заслуженный деятель искусств РСФСР (с 1955), народный художник РСФСР (с 1968).

Творчество представлено во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Музее русского искусства в Киеве и других.

Василий Елисеевич Литко (1900-1939) — художник, график, книжный иллюстратор. 

В 1916 году поступил в Петроградскую Академию художеств. Одновременно с учебой в Академии работал каменщиком, грузчиком, молотоотбойцем. В 1918 году работал художником в большевистских газетах «Южная правда» и «Солдат революции». В 1919 году был назначен комиссаром Инженерно-командных курсов в Екатеринославе (современный Днепропетровск). Участвовал в боевых действиях Красной армии, попал в плен, был освобожден конницей Буденного и отправлен в Харьковский госпиталь.

После окончания войны Литко был командирован в Академию художеств для окончания художественного образования, но из-за состояния здоровья, не позволяющего жить в Ленинграде, был переведен в московский ВХУТЕИН, который окончил в 1924 году. Параллельно с учебой Василий Елисеевич преподавал в Кремлевской объединенной школе ВЦИК, а также сотрудничал как художник-график с рядом московских издательств: в 1921-25 гг. иллюстрировал книги и оформлял обложки для издательств ОГИЗ «Московский рабочий», ЗИФ, работал в журналах «Металлист» и «Деревообделочник».